Barrock'n'roll, la música clásica antigua de hoy

Barrock'n'roll fundado en 2010, es un grupo de cámara compuesto por varios jóvenes españoles. La mezcla innovadora de la música clásica antigua con la energía y el entusiasmo de los artistas del grupo, está siendo una exitosa forma de acercar este tipo de música a la gente joven.
 Hablamos con el grupo para conocer más sobre su historia, sus componentes, sus obras y conciertos. 
Para disfrutar de su música, invitamos a visitar su página web http://barrockandroll.jimdo.com

Por Ana Peinado

Barrock'n'roll mezcla la música antigua clásica con el entusiasmo de músicos jóvenes y talentosos, contadnos, ¿cómo salió la idea del grupo y cómo decidisteis formarlo? ¿Cuáles fueron vuestras inspiraciones musicales?
 


Los que formamos el núcleo del grupo hemos sido estudiantes del Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA) en Zaragoza, allí es donde nos conocimos y donde empezó todo. Nos juntamos cuatro alumnos para formar un grupo de música antigua para la asignatura de música de cámara, en ese momento éramos Moisés Maroto y Olga Rodon (Flautas de pico), María Simón (Violoncello) y Sara Johnson (Clave). Viendo la química que había entre nosotros y  la energía que transmitíamos juntos en el escenario (siempre dentro de marcos académicos), decidimos que debíamos dar el paso de sacar el grupo fuera de las puertas del Conservatorio para dar rienda suelta a nuestro trabajo y nuestros proyectos: en definitiva, estudiamos música para ser profesionales, y eso es lo que nos propusimos.
Este atrevimiento surge de varias fuentes de inspiración, dos de ellas fueron Silvia Márquez, profesora de clave y cámara del CSMA e integrante del grupo “La Tempestad” y Saskia Roures, profesora de organo y cámara, también del CSMA e integrante del grupo “El Trovar de los Afectos”. Sus enseñanzas tanto musicales como extra-musicales nos han ayudado bastante para llegar hasta donde ahora estamos.


Respecto a esta mezcla que enlaza la música clásica con la gente joven, ¿creéis que se está despertando el interes por los más jóvenes por este tipo de música?
 


La verdad es que la gran mayoría de la gente joven no conoce la música clásica, y mucho menos la música antigua, que es el ámbito de la música clásica en el que nos movemos. Si preguntas a cualquier persona de entre 16 y 25 años sobre lo que entienden por música antigua, ¡no echarán la vista más atrás de los años 80 (nos ha pasado)!
Precisamente por esto, otra de nuestras facetas y otro de nuestros programas consiste en adaptaciones para nuestros instrumentos barrocos de ‘hits’ del pop-rock actual junto con algunas obras barrocas, este tipo de programa lo hemos interpretado en sitios muy diferentes, desde un bar hasta una iglesia, y ha gozado de una gran acogida por parte de jóvenes y de adultos. Con esto lo que pretendemos es acercar una formación barroca a gente de todas las edades y que se escuche en todos los ambientes. Poco a poco esta aceptación y conocimiento de la gente más joven parece que va cambiando para mejor.
 


En el grupo sois tres componentes fijos, pero también hemos visto que contáis con otros músicos como colaboradores. ¿quiénes componen el grupo durante vuestra actual gira?
 


De los cuatro que empezamos seguimos tres como miembros fijos (Moisés, Olga y Sara). Este mundo es muy duro, hace falta muchísimo compromiso y hay que tener todos unas metas comunes, si no, te ves obligado a dejar gente por el camino. Como decía anteriormente, en estos momentos estamos manejando e interpretando dos programas diferentes. Uno barroco (donde se intercalan obras del Seicento-Settecento italiano y versos del Siglo de Oro español). Para este programa, que lleva por título “Tempora, tempore, tempera”,  tenemos el placer de contar con un chelista barroco excepcional, como lo es Alberto Campanero. Por otro lado, decidimos montar un programa accesible a un rango mayor de público, con adapataciones de ‘hits’ del pop-rock actual, bandas sonoras y también obras barrocas. Para este contamos con María de Mingo, una instrumentista que en estas áreas musicales se mueve como pez en el agua: toca instrumentos de púa y, concretamente en este programa, la bandurria bajo.


El pasado año ganásteis el Gran Premio del Jurado y también el Premio del Público en el II Concurso Internacional de Música Antigua de Gijón. Desde entonces no habéis parado de dar conciertos, ¿cómo ha sido el despegar como grupo y sentir el recibimiento del público?
 

Por un lado, nos hemos encontrado de golpe con bastante trabajo y cosas que gestionar, además de llevarnos alguna “novatada”, ya que, en el momento en que se empiezan a colocar las miras más allá de lo académico, aparecen un montón de cuestiones “extra-musicales” a las que nunca antes nos habíamos enfrentado. Pero, por otra parte, merece la pena ver el resultado de nuestro esfuerzo una vez en el escenario. Por suerte, la música es una de las profesiones donde más puede lucirse el trabajo realizado.
Además, desde el II Concurso Internacional de Música Antigua de Gijón notamos una especial sintonía entre nosotros y el público. Cuando subimos a un escenario salimos a interpretar, somos actores con instrumentos musicales, hay mucha complicidad entre nosotros y eso el público lo nota y lo agradece. Un espectáculo musical no solo se oye, también se ve y está lleno de emociones,  si el público las nota entre los músicos ellos también las sienten.


 
Estando en un concierto ¿cómo os sentis? ¿Qué sensaciones os recorren durante una actuación?
 


Todo empienza horas y minutos antes de la actuacion, los nervios están a flor de piel y todos tenemos nuestras costumbres y manías previas al espectáculo. Una vez en el escenario, la sensación de exponer el alma delante de tanta gente genera un aluvión de emociones contradictorias: la mezcla entre el miedo y la confianza, la concentración y la adrenalina... cada insignificante detalle cuenta, y no todo es musical, la gente no se puede hacer una idea de lo las cosas que nos pueden venir a la mente en un momento de tanta tensión y responsabilidad. Sin embargo, en el escenario no hay más remedio que actuar, y hacerlo bien. Además, no tocamos solos y la sensación de complicidad que mantenemos a lo largo del concierto hace que sea imposible reprimir alguna que otra sonrisa. ¡No hay nada mejor!
 


Cada componente del grupo también tiene una intensa actividad musical, ¿cómo compaginais ambas actividades? ¿Cuántas horas de ensayo dedicais antes de un concierto?


 
Hasta hace unos meses, nos ha sido relativamente fácil organizarnos para ensayar, ya que estudiábamos en la misma ciudad, aunque siempre toca hacer malabarismos con el tiempo. Así, podíamos ensayar varias veces por semana. Por otra parte, antes el grupo estaba más tierno y necesitabamos hacer un tipo de trabajo difernte. Ahora, aunque hemos madurado mucho y los proyectos se enfocan de otra manera, todo es más complicado: al estar repartidos entre España, Portugal y Alemania, trabajando en nuestros respectivos proyectos personales, funcionamos por ensayos intensivos antes de cada concierto (unos dos o tres días seguidos dedicados en su totalidad a ensayar).
 


Por ultimo, ¿qué opináis de la musica clásica florentina? ¿Alguna referencia o músico o en particular?


Si nos pusiéramos a comentar todo lo que puede dar de si la música florentina, no acabaríamos nunca. Un país como Italia y una ciudad como Florencia son cunas de la mejor música clásica y barroca. Cabe destacar  “la camerata florentina”, donde un grupo de intelectuales y humanistas fundan un movimiento de oposición a la música (renacentista) que se estaba componiendo. Dentro de esta llamada “camerata” hay músicos que son referencia tanto para nosotros como para cualquier músico barroco, ya que son los precursores musicales de esta nueva tendencia estética, como por ejemplo: Giulio Caccini, Emilio de Cavalieri, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (padre del famoso astrónomo, Galileo Galilei)...
Además Italia y en concreto Florencia, siempre son lugares donde hace especial ilusión ir a tocar, para músicos como nosotros que de hecho, en estos momentos, nuestro principal programa está compuesto por obras del seicento-settecento italiano, es como la peregrinación a la meca, hay que hacerlo una vez en la vida.


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Arte Música, la sencillez de un coro que se hace grande cuando se sube al escenario

El Coro Arte Música, en un concierto este verano en Florida de Liébana

Hemos venido a ensayar incluso nevando". La desapacible lluvia que cala la noche no será excusa para que, como cada lunes y jueves, las antiguas escuelas de Florida de Liébana abran sus puertas para acoger el ensayo del Coro Arte Música, un coro que es un fiel reflejo de la particular y especial historia de sus diez años de andadura. "Somos un coro muy sencillo". Pero uno intuye enseguida que, detrás de esa sencillez, está precisamente el elemento diferenciador, el que hace que uno se sienta tan bien acogido en sus ensayos.

 Mujeres y hombres de todas las edades, sin ninguna experiencia y formación musical previa, con el apoyo del Ayuntamiento y de la mano de la directora Matilde Chaves de Tobar (doctora en Musicología por la Universidad de Salamanca y con una amplia experiencia docente e investigadora en educación musical), se han volcado en mantener un coro que se hace grande cuando se sube al escenario y que se alimenta de notas musicales, amistad y compañerismo. Y ya se han subido a unos cuantos. Este año, sin ir más lejos, han cantado en la Misa del Peregrino en la Catedral de Santiago de Compostela. "Escuchar el nombre del coro de Florida cuando cantamos en el Obradoiro, eso es increíble". Lo recuerdan ahora y todavía se emocionan, porque en este coro pasarlo bien y disfrutar de cada momento es tan importante como la música.

 Con hospitalidad, y sencillez, reciben a quien se acerca a conocer su historia y, sobre todo, a escuchar al coro. Ya están ensayando el repertorio con el que, por primera vez, participarán el próximo mes de diciembre en el ciclo de conciertos Navidad Polifónica, organizado por el Ayuntamiento de Salamanca. 

Echamos la vista atrás. Alfonso González, alcalde de Florida de Liébana, cuenta que el coro nació en 2004, y lo hizo como coro femenino, con un pequeño grupo de mujeres que empieza a dar sus primeros pasos en formación musical. "Era un momento en el que, por edad, había más gente en el pueblo que participaba en la asociación cultural, en la asociación de mayores". Por casualidades de la vida, Matilde, recién llegada a España desde su Colombia natal, recala de visita en el municipio y acepta la propuesta de poner en marcha un coro. No es la primera vez que acepta un reto de estas características (en 1995, fundó el coro femenino de la Universidad del Cauca). La aventura musical de Florida de Liébana continúa diez años después. 

Música para dinamizar el municipio

 "La música es la mejor excusa para seguir dinamizando el municipio" y, como añade el alcalde, "para el Ayuntamiento ha sido un vehículo determinante para dar sentido de grupo". Poco a poco se irían incorporando hombres al coro, lo que permitió enriquecer los repertorios corales mixtos, cantar con otros coros y cantar en diversos idiomas, hacer literatura musical.

 Uno de los momentos claves del coro será su primer viaje a Portugal, en el año 2009. No solo sería su debut en un escenario desconocido, sino que aquel viaje se convirtió en el primero de otros muchos para crear lazos dentro y fuera del coro. "Un viaje que fue toda una experiencia para el coro y para sus familias, creando además un concepto de intercambio con otros coros que han mantenido a lo largo de estos diez años".

 Una década en la que han participado en conciertos en España y Portugal y han intercambio visitas y actuaciones con otros coros, como el Festival de Verano 2009 en Bârro (Portugal) en el que actuaron con los coros Cantate Iubilo, Orfeón de Recardaes-Águeda; el Festival de Primavera 2012 en Piedras Blancas (Asturias); el Encuentro Coral de Manteigas (Portugal); el I Encuentro Hispanoamericano de Coros en Salamanca (con la participación de la coral Cantemos de Montevideo, Uruguay); Salamanca Latina del Instituto Iberoamericano de la Universidad de Salamanca o el concierto solidario con la banda de Ingenieros del Ejército de Salamanca en el Auditorio de Calatrava.

 En su décimo aniversario, la música les ha llevado hasta la ciudad de Oporto para participar en el Encuentro Internacional de Coros, actuando con los Coros Cantábile y Orfón de Gondomar. Canciones de la música gallega, asturiana, salmantina, colombiana, chilena, argentina y venezolana formaron parte del repertorio del coro de Florida de Liébana. Este año también han recibido al Coro Atlántico de A Coruña para ofrecer dos conciertos de verano en La Casa de las Conchas y en La Alberca. A finales de agosto, el coro actuó en su pueblo, Florida de Liébana.

 A principios de septiembre iniciaban una gira por Galicia, cantando con el Coro O Piñeiral y el Coro Atlántico, y finalizando en la Catedral de Santiago. La agenda ha seguido repleta de compromisos, ya que a finales de septiembre cantaban en el II Encuentro Coral Hispano Luso. Para 2015 se embarcarán en otro proyecto, el de grabar su primer CD, Hispanoamerica canta, con canciones del repertorio tradicional salmantino y latinoamericano. "El repertorio siempre tiene tintes hispanoamericanos, lo que ha permitido que manejen otros ritmos", apunta Matilde, su directora, "les ha dado más riqueza musical". Por supuesto, sin olvidar lo propio, la música tradicional salmantina.

 "La práctica coral no solo es un instrumento de educación musical", explica Matilde, "sino de desarrollo cultural grande, de notable trascendencia y eficacia dentro de una comunidad. El coro de aficionados, debe ser auténtico, disfrutar de la actividad musical, no cantar con un único objetivo competitivo y ser consciente de sus posibilidades artísticas, las cuales vienen dadas de acuerdo a su formación, disciplina de conjunto y años de entrenamiento". Han cumplido diez años, y con el deseo de que sean muchos más, dejamos al Coro Arte Música continuar con sus ensayos. Para despedir esta historia, tomamos prestada la palabra al escritor Buero Vallejo. "Cuando no me ve nadie, como ahora, gusto de imaginar a veces si no será la música la única respuesta posible para algunas preguntas".

por: http://salamancartvaldia.es/not/61024/arte-musica-la-sencillez-de-un-coro-que-se-hace-grande-cuando-se-sube-al-escenario/

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El Istituto Europeo de Música entrevista a Eduards Grieznis, un aclamado artista internacional

Eduards Grieznis

entrevista: Fabrizio Ulivieri

traducción: Ana Peinado

El Istituto Europeo de Música entrevista a Eduards Grieznis, un aclamado artista internacional procedente de Letonia, que vive y trabaja en Inglaterra, fascinado por la idea de venir a Florencia y vivir en la ciudad de los sueños, esperando debutar con sus conciertos en teatros florentinos e italianos.

¿Qué importancia le das a la belleza en tus obras y composiciones?

Suelo pensar y decirme a mí mismo que tengo que ser claro y espritualmente honesto con la belleza. Cuando actúo o compongo, soy completamente fiel a esta fuerza tan extraordinaria, por lo que intento poner toda mi atención en ella, colmar todas mis emociones y mis más sinceros sentimientos a través del lenguaje de la música. En palabras de Fr. Chopin: “Bach es un astronómico, descubriendo las estrellas más maravillosas. Beethoven desafía al universo. Yo solo trato de expresar mi alma y el corazón de un hombre”.

¿Crees que la belleza es terapeuta?

No solo creo en ella...eso es lo que enseño a mis estudiantes y muchos de ellos vienen para contarme lo terapéutico que ha sido para ellos estudiar música, algunos, ¡cómo la influencia de la música ha cambiado sus vidas! ¿No es extraordinario?

¿Qué supone ser un compositor en pleno siglo XXI?

Creo que es una pregunta inteligente. El haber estudiado música y composición durante bastante tiempo, no hace que todavía pueda responder a esta pregunta. El problema u obstáculo es, en mi opinión, que hay una leyenda que circula diciendo que la música del siglo XXI se suponía que iba a ser algo que jamás se había escuchado antes o que incluía elementos nunca usados anteriormente como el sonido de los platos, cubiertos, voces humanas a nivel extremo (como gritos, voces), bolsas de plástico. Ahora, cuando la palabra libertad alcanza la cima, se hace más fuerte, en mi opinión, para decir qué reglas deberían seguirse cuando se compone música del siglo XXI. Me parece que el lema “¡lo extraño, lo mejor!” está tomando mucho impacto y ya no estoy completamente seguro de que este lema sea adecuado para el arte de la música.

Personalmente creo en ese increíble valor de los primeros siglos, empezando por la generación del gran Bach y terminando con Liszt, su ideología, sus detallistas y prácticos métodos de composición es lo más honorable de uno y me atreveré a decir- que son los mejores que hay en cualquier siglo cuando se trata de componer música. Este ha sido para mí mi lema cuando compongo. A través del período de la creación de la música, intento “dejarme llevar” a otro universo, improvisar, dejar que mi yo se transforme, pero, manteniendo en mente la gran estructura y fórmulas melódicas tan bien creadas por lo mencionado anteriormente y por más compositores del pasado. Sin embargo, aprecio también a otros compositores de música actuales como E. Rautavaar, un compositor de mi país P. Vaskas; música minimalista y la grandeza espiritual de la música del Messiaen.

Te han descrito como un músico y compositor innovador. ¿Qué importancia tiene la innovación en tu trabajo?

Esta pregunta la he respondido en parte en la pregunta anterior sobre qué supone ser un compositor en el siglo XXI. En resumen, creo que uno debe ser innovador cuando compone, sin embargo, el nivel de creatividad debe ser compensado o “aproximado” a las reglas de composición de siglos anteriores.

Mi mayor creencia es que la composición de cada uno será innovada a su manera, por que no hay ninguna que pueda parecérsele, incluso si el cambio es muy ligero. Porque estoy convencido de que la creación musical viene de lo más profundo del alma de cada uno, algo que no puede ser repetido, ya que todos tenemos nuestra propia alma,nuestros orígenes, escalas emocionales y la lista sigue y sigue... Vamos a dar el gran “revolucionario” L. Van Beethoven como ejemplo. Él es conocido por tener mucha originalidad y enfoques diferentes para componer. Pero al mismo tiempo, sigue las reglas sobre las estructuras, balance, colores, efectos, lo único que es “innovador” con certeza, es su propia alma, haber tenido que atravesar una infancia e incluso una edad adulta tan difícil, algo que se ha reflejado en su trabajo.

Recuerdo que un famosos ciclista dijo en una entrevista que pensaba en filosofía mientras entrenaba,... ¿Tu en qué piensas durante tus actuaciones?

Sin duda el entrevistado debe haberse referido a Bach. ¡Él era y sigue siendo uno de los mejores filósofos musicales que hay! Mira aquellas extraordinarias fugas y orquestaciones, todos ellos forman un alto nivel de la filosofía. Eso es exactamente lo que estoy pensando cuando toco sus obras en particular…Al reproducir la música de otra persona, el sentimiento varía. Recuerdo tocando el preludio de Shostakovich y fuga en d menor, la última. También recuerdo leer literatura sobre esto. Y la fusión de la música actual, que es gloriasamente noble, y los detalles de la historia, crean una historia lineal en mi cabeza, cuando toco la pieza. Al comienzo, pienso en el pánico de la guerra, las pérdidas familiares, la tragedia de un ser cercano,que también se refleja en el principio de la fuga, que es tranquila y profunda, pero en mi opinión esto es el mayor nivel de tristeza. También pienso en colores nobles cuando las octavas aparecen en ambas, Preludio y Fuga, lo cual ocurre a menudo para, en mi opinión, especialmente influenciada por Shostakovich, crear la ilusión de grandes y nobles gestos. Estos, en mi opinión, se identifican con la creencia de que no todo está perdido, y que debemos aprender de estos errores para intentar evitar tal tragedia en el futuro.

Por otra parte, cuando toqué la obra Mussorgsky “Cuadros de una exposición”, no podía parar de pensar en la actual visita al museo, e intenté animar a los cuadros helados, aun teniendo claro el significado que había detrás de ellos, los cuales ya sabemos que no son tan alegres y brillantes. La pieza, después de todo, fue dedicada a un fallecido amigo de Mussorgsky.

Te definen como un artista y enseñante exigente. ¿Existe un límite en tu exigencia?

Durante años de tanto estudio en el Reino Unido, como en Letonia cuando volví a casa, la rutina de estudio es muy rígida, me han exigido otras personas y me he exigido a mí mismo muy a menudo. Francamente, muchas instituciones artísticas del mundo solo están activan por el clima de competición entre estudiantes y sus desafíos.

Ahora, cuando he terminado contento mis estudios superiores, puedo echar la vista hacia atrás y no arrepentirme de nada. Estoy particularmente agradecido de haber ganado el Recital Prize en 2011 tras los años de estudio en Manchester…Al obtener el primer premio había logrado un desafío personal al participar y ganar una competición con unos jueces con un alto nivel.

Sin embargo, he notado varias “cicatrices” a causa de este impulso de competitividad,...Creo que este es mi límite actual. En vez de competir, estoy intentando disfrutar de mí mismo y del arte de la música por completo, y estoy muy agradecido al mundo por la habilidad de compartir esta belleza con otros ofreciendo clases y viendo sus progresos.

¿Es el talento todo lo que necesitas para hacer una buena presentación?

Ya sabes lo que dicen: “Es sólo un 1% de talento, y 99% de trabajo duro lo que hace a uno grande. Creo intensamente en eso. También creo fuertemente en el poder de la genética de la música tomada de las padres…A veces es muy fácil enseñar a los alumnos con formacion musical, hacen música de manera natural incluso sin saber cómo.

Sin embargo, hay situaciones cuando los alumnos sin formación musical logran más que otros…¡Y creo que es por el 99% de trabajo que ellos ponen!

¿Cuál es la major cualidad para ser un buen professor?

Durante mi docencia todavía aprendo mucho de mi mismo. Tus alumnos, no importa de qué nivel, pueden ser una gran influencia para los mismos profesores. Muchos de ellos me recuerdan lo genial que es la música, me recuerdan que debería ser mucho más paciente cuando doy tutorías a los más principiantes, aunque para mí me haya parecido una clase paciente. Si necesito dividir en varios puntos cuál es la mejor cualidad para ser un buen professor, es evidente que para mí no solo los alumnos me vuelven a inspirar, si no que también me hacen estar en la cima “del juego” siguiendo practicando, manteniéndome informado de las noticias musicales del mundo, aprendiendo sus respertorios para poder darles el mejor consejo, y después de todo - el resultado de satisfacción y los logros hacen sentirse al profesor valioso y feliz, no se puede describer con palabras. El más joven puede ser el que más inspire. Recuerdo a una pequeña niña…Ella tenía solo 4 años, y estaba empezando sus primeras clases de piano. Ahora uno necesita entender que esa edad es crucial dar buenas clases, o esas pueden ser sus primera y últimas clases. Así que incluso habiendo tenido mucha experiencia enseñando a jóvenes, creo que un profesor siempre se sentirá un poco nervioso, ahora y siempre. En pocas palabras, tan inesperado para ambos, ¡que yo no podía creerlo! Su concentracion era espectacular, su inteligencia para su edad-incluso mas increíble, y sobre todo- ¡ambos disfrutamos de nosotros mismos! Y aquí viene la mejor parte…después de unos minutos volvió y me dijo: “¡Estoy aquí por más!”¿No es adorable? ¡Esto es lo que hace esto mucho más divertido y gratificante!

Leyendo las recomendaciones que hay en tu página web (http://eduardsgrieznis.com/) apareces como con una personalidad versátil, ¿esto es bueno para un músico o debería ser más severo?

Creo que depende de la persona. Si al músico le gusta y lo más importante- se siente cómodo en un estilo de música particular, deberían escoger solo sus áreas de confort. Yo, personalemente, la verdad es que me gusta probar diferentes estilos y marcos del mundo musical. Después de todo, el músico Cuanto más versátil es un músico y su personalidad, más versátil será el professor de música.

Tienes experiencia internacional como músico, ¿crees que el haber nacido en Letonia te ha ofrecido mas oportunidades que si hubieras nacido en Italia?

He oído que Italia está muy orgullosa por ser conocida por sus grandes escuelas de pianistas y artistas talentosos. También, soy consciente de que el sistema musical de Letonia, bastante basado en la legenderia escuela rusa, es también valioso y me ha ofrecido muchas oportunidades de concierto durante el tiempo que he estado en casa.

El haber estado en Inglaterra durante más de cinco años, me ha hecho darme cuenta que incluso el Reino Unido tiene mucho que ofrecer.

Supongo que mi respuesta a esto, que es difícil de decir, es que hubiera pasado “si”…Estoy muy agradecido de donde estoy ahora, por el camino que he tenido en Letonia y en el Reino Unido, y también por haber tenido la oportunidad de probar la gran vida de la cultura italiana al participar en la cuarta edicion de 'Giuseppe Terracciano'. Debo decir que desde aquella primera visita a Italia he estado ‘enganchado’ de la belleza y cultura de vuestro país, y me encantaría volver pronto!

¿Alguna vez has estado en Florencia?

De hecho hace unos años. Fue un viaje memorable, la verdad… De hecho, sencillamente me enamoré de la ciudad y de todas sus formas de arte!

¿Te gustaría venir a Florencia para actuar? ¿Alguna vez has considerado la posibilidad de vivir en Florencia y por qué?

Estaría encantando y emocionado de venir y hacer música en este maravilloso lugar! Y sí, he considerado el estar en Florencia para vivir. Después de visitarla hace unos años, recuerdo este sentimiento de estar en mi segunda casa, incluso si no estaba durante más de un día…Hay algo en el aire que no se puede explicar…¿O fue el increíble sabor del vino…?

Para terminar, me gustaría mencionar esta memorable cita de J.S. Bach: “Es fácil tocar algun instrumento: todo lo que tienes que hacer es tocar la correcta tecla en el momento exacto y el instrumento tocará por sí mismo.

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